Il suffit parfois de quelques secondes pour reconnaître la musique traditionnelle coréenne. Une corde se courbe et semble presque sangloter, une flûte de bambou fait vibrer l’air avec un souffle légèrement voilé, puis un tambour impose un rythme qui paraît respirer avec les musiciens. Ces sonorités appartiennent au gugak (국악), terme qui désigne aujourd’hui l’ensemble des musiques traditionnelles de Corée.
Le gugak ne correspond pourtant pas à un style unique. Il réunit les musiques de cour, les rituels confucéens ou chamaniques, les chants narratifs comme le pansori, les musiques populaires régionales, les ensembles de percussion villageois et les solos virtuoses du sanjo. Un même instrument peut donc changer complètement de caractère selon le répertoire : délicat et mesuré dans une pièce de cour, libre et passionné dans une improvisation, ou puissant lorsqu’il dialogue avec une batterie et une guitare électrique.
Découvrir les instruments traditionnels coréens, c’est ainsi entrer dans un monde où le timbre, le souffle et l’inflexion d’une note comptent autant que la mélodie elle-même.
Le gugak, un paysage musical plutôt qu’un genre unique
La musique coréenne s’est formée au fil des siècles à la rencontre de plusieurs milieux. La cour royale a développé des ensembles raffinés et des musiques cérémonielles. Les communautés rurales ont fait vivre des traditions collectives mêlant tambours, gongs, danse et acrobaties. Les artistes itinérants ont transmis des récits chantés, tandis que les pratiques religieuses ont accordé une place essentielle à la répétition, à la transe et à l’improvisation.
Les classifications anciennes ne séparaient d’ailleurs pas toujours les instruments en cordes, vents et percussions comme on le fait couramment en Occident. Le système des « huit sons », appelé paleum (팔음), les regroupait selon leur matériau principal : métal, pierre, soie, bambou, calebasse, terre, peau et bois. Cette manière de penser rappelle que la matière participe directement à l’identité sonore de chaque instrument.
Pour faciliter la découverte, nous les présenterons néanmoins ici par grandes familles.
| Instrument | Famille | Caractéristique principale | Répertoires fréquents |
|---|---|---|---|
| Gayageum (가야금) | Cordes pincées | Zithare au son clair et souple | Musique de cour, sanjo, créations contemporaines |
| Geomungo (거문고) | Cordes frappées et pincées | Zithare grave jouée avec une baguette | Musique lettrée, cour, sanjo, fusion |
| Haegeum (해금) | Cordes frottées | Vièle verticale à deux cordes très expressive | Cour, musique populaire, sanjo, ensembles modernes |
| Ajaeng (아쟁) | Cordes frottées | Zithare à archet au registre profond | Cour, sanjo, sinawi |
| Daegeum (대금) | Vent | Grande flûte traversière à membrane vibrante | Cour, sanjo, musique populaire |
| Piri (피리) | Vent | Instrument en bambou à anche double | Cour, rituels, ensembles populaires |
| Taepyeongso (태평소) | Vent | Son très puissant adapté au plein air | Pungmul, processions, musique militaire |
| Janggu (장구) | Percussion | Tambour en sablier à deux peaux | Presque tous les grands genres du gugak |
| Buk (북) | Percussion | Famille de tambours en tonneau | Pansori, pungmul, danse, rituels |
| Jing et kkwaenggwari (징, 꽹과리) | Percussion métallique | Grand et petit gongs aux rôles complémentaires | Pungmul, nongak, samulnori |
Les instruments à cordes
À propos des extraits sonores : les lecteurs de cet article utilisent la Bibliothèque numérique des instruments traditionnels du National Gugak Center. Les extraits sélectionnés sont publiés sous licence KOGL Type 1, qui autorise notamment la diffusion en ligne et l’usage commercial à condition de citer la source. L’attribution précise est donc conservée sous chaque lecteur.
Le gayageum (가야금), l’élégance des cordes pincées
Le gayageum est probablement l’instrument traditionnel coréen le plus connu. Cette longue cithare se joue posée horizontalement devant l’interprète. Dans sa forme classique, elle possède douze cordes de soie tendues au-dessus d’une caisse de résonance en bois de paulownia. Chacune repose sur un chevalet mobile appelé anjok (안족), littéralement « pied d’oie », que l’on déplace pour accorder l’instrument.
La main droite pince ou effleure les cordes, tandis que la main gauche appuie sur leur partie libre afin de faire varier la hauteur après l’attaque. Cette technique, appelée nonghyeon (농현), permet de produire des vibratos, des glissés et de fines inflexions. La note n’est donc pas un point fixe : elle peut se tendre, se courber et se transformer après avoir été jouée. C’est l’une des clés de l’expressivité du gugak.
Plusieurs formes de gayageum coexistent. Le jeongak gayageum, plus grand, convient aux répertoires de cour et aux ensembles au tempo mesuré. Le sanjo gayageum, plus compact et aux cordes rapprochées, favorise les passages rapides et virtuoses. Des modèles modernes à 18, 21 ou 25 cordes ont également été développés afin d’élargir la tessiture, de faciliter les harmonies et de répondre aux besoins de la composition contemporaine.
Le gayageum peut être méditatif, joyeux ou spectaculaire. Son timbre limpide le rend immédiatement séduisant, mais sa véritable richesse apparaît dans les variations de pression, d’attaque et de vibration qui donnent à chaque phrase une couleur très humaine.
🎧 Écouter le gayageum — Arirang
Le geomungo (거문고), une cithare profonde et percussive
À première vue, le geomungo peut rappeler le gayageum. Son jeu et sa personnalité sonore sont pourtant très différents. Cette cithare à six cordes comporte à la fois des frettes fixes et des chevalets mobiles. Le musicien frappe ou pince principalement les cordes à l’aide d’une courte baguette de bambou nommée suldae (술대), tout en modifiant les notes avec la main gauche.
Le geste produit une attaque sèche et rythmique, suivie d’une résonance grave. Le choc de la baguette sur les cordes et parfois sur la protection en cuir de la table fait pleinement partie du son. Le geomungo ne cherche donc pas seulement la douceur : il peut gronder, claquer et installer une tension presque percussive.
L’instrument est historiquement associé au royaume de Goguryeo et à la culture des lettrés. Il a longtemps symbolisé la discipline, la contemplation et le travail sur soi. Cette image digne ne doit toutefois pas le réduire à une musique austère. Dans le geomungo sanjo, l’interprète alterne silences, frappes nerveuses, glissés et accélérations avec une liberté impressionnante. Aujourd’hui, sa sonorité sombre se prête particulièrement bien au jazz, au rock expérimental et aux traitements électroniques.
🎧 Écouter le geomungo
Le haegeum (해금), deux cordes et une voix bouleversante
Le haegeum est une vièle verticale à deux cordes. Sa petite caisse de résonance repose sur le genou du musicien, tandis qu’un archet dont les crins passent entre les deux cordes les met alternativement en vibration. Contrairement au violon, l’instrument ne possède pas de touche contre laquelle plaquer les doigts. La main gauche agit directement sur la tension des cordes, ce qui autorise des transitions très souples entre les hauteurs.
Son timbre est fin, nasillard et pénétrant. Il peut rappeler une plainte, une voix fragile ou, au contraire, prendre un caractère vif et malicieux. Cette capacité à imiter les inflexions vocales explique sa présence dans des contextes très variés : musique de cour, ensembles populaires, accompagnements de danse, improvisations et compositions contemporaines.
Malgré ses deux seules cordes, le haegeum dispose d’un vaste éventail expressif. Les glissements, la pression de l’archet et les changements de tension permettent au musicien de passer d’un son presque chuchoté à une phrase d’une grande intensité. C’est souvent lui que l’on remarque en premier dans un ensemble moderne de gugak.
🎧 Écouter le haegeum
L’ajaeng (아쟁), la profondeur d’une cithare frottée
L’ajaeng est une cithare jouée avec un archet. Ses cordes épaisses sont tendues au-dessus de chevalets mobiles et produisent un son grave, rugueux et vibrant. Dans la pratique ancienne, elles étaient frottées avec une fine baguette de bois de forsythia enduite de résine ; certains interprètes emploient aujourd’hui un archet muni de crins.
Le grand ajaeng des ensembles de cour apporte une assise profonde à la texture orchestrale. Une version plus petite, le sanjo ajaeng, a été adaptée aux répertoires populaires et aux solos virtuoses. Son registre et son grain sonore peuvent évoquer le violoncelle, mais les glissés, la tension des cordes et le frottement très audible lui donnent une identité immédiatement reconnaissable.
🎧 Écouter l’ajaeng — Jinyangjo
Le yanggeum (양금), des cordes métalliques frappées
Le yanggeum occupe une place singulière. Cette cithare sur table possède des cordes métalliques frappées avec de fines baguettes de bambou. Arrivé en Corée par la Chine à la fin de la période Joseon, l’instrument appartient à la famille des tympanons diffusés depuis l’Europe et le Moyen-Orient.
Ses notes claires et brillantes sont accordées à des hauteurs fixes. Il offre donc moins de possibilités de courbure que les cordes de soie du gayageum ou du geomungo. Cette contrainte devient une couleur : au sein d’un ensemble, le yanggeum apporte un éclat cristallin qui contraste avec les sons plus flexibles des autres instruments.
Les instruments à vent
Le daegeum (대금), le souffle du bambou
Le daegeum est une grande flûte traversière en bambou. Sa particularité réside dans une ouverture recouverte d’une fine membrane de roseau appelée cheong (청). Lorsque l’air fait vibrer cette membrane, elle ajoute au son un bourdonnement caractéristique, parfois doux et voilé, parfois éclatant.
Le musicien joue avec le souffle autant qu’avec les doigts. Il peut laisser entendre l’air, faire trembler la note, varier son intensité ou produire de puissantes inflexions. La sonorité du daegeum donne ainsi l’impression de venir d’un paysage : elle évoque volontiers le vent dans les bambous, sans jamais perdre sa force mélodique.
Il existe notamment un daegeum adapté à la musique de cour et un modèle plus court utilisé pour le sanjo. Le premier privilégie l’ampleur et la stabilité ; le second facilite les mouvements rapides et les ornements. Dans les deux cas, l’équilibre entre le souffle, la vibration de la membrane et la justesse demande une grande maîtrise.
🎧 Écouter le daegeum — Yeombultaryeong
Le piri (피리), une petite taille pour un son puissant
Le piri est un instrument cylindrique en bambou muni d’une anche double. Bien qu’il soit relativement court, sa perce large et son anche imposante lui donnent un son dense, direct et légèrement nasal. Dans de nombreux ensembles, il porte la ligne mélodique principale.
Ses trois grandes variantes correspondent à des usages différents. Le hyangpiri possède une sonorité robuste et se retrouve dans de nombreux répertoires coréens. Le sepiri, plus fin et plus doux, convient aux formations intimes et à l’accompagnement du chant. Le dangpiri, au timbre puissant, est lié à des répertoires de cour historiquement issus de Chine.
Comparer le piri à un hautbois peut aider à comprendre son fonctionnement, mais son timbre, son phrasé et ses ornements appartiennent pleinement à l’esthétique coréenne.
🎧 Écouter le piri — Yeombultaryeong
Le danso (단소) et le sogeum (소금), la légèreté des petites flûtes
Le danso est une courte flûte verticale, à 5 trous, en bambou que l’on souffle sur une encoche. Son timbre doux et aéré convient particulièrement aux petits ensembles, aux duos et à la pratique amateur. L’émission du premier son peut toutefois surprendre : l’angle du souffle doit être très précis.
Le sogeum est, quant à lui, une petite flûte traversière. Plus aigu que le daegeum et dépourvu de sa membrane vibrante, il apporte une ligne claire et légère aux ensembles. Ces deux instruments montrent que les vents coréens ne recherchent pas toujours la puissance ; ils peuvent aussi créer des espaces de respiration et de délicatesse.
Le taepyeongso (태평소), l’instrument du plein air
Avec son anche double, son corps conique en bois et son pavillon métallique, le taepyeongso est conçu pour porter loin. Son timbre aigu et éclatant traverse sans difficulté le son des tambours et des gongs. Il accompagne notamment les processions, les musiques militaires, les fêtes villageoises et le pungmul.
Il ne cherche pas à se fondre discrètement dans l’ensemble. Son rôle est souvent de projeter la mélodie au-dessus de la masse rythmique et d’accroître l’énergie collective. Entendu de près, il peut sembler saisissant ; en extérieur, sa puissance prend tout son sens.
🎧 Écouter le taepyeongso — Hojeokpungnyu
Le saenghwang (생황), un orgue à bouche capable de jouer des accords
Le saenghwang est un orgue à bouche composé de plusieurs tuyaux de bambou insérés dans une chambre à air. Chaque tuyau contient une anche libre qui vibre lorsque le musicien souffle ou aspire. Contrairement à la plupart des instruments mélodiques traditionnels coréens, il peut faire entendre plusieurs notes simultanément.
Son timbre lumineux et aérien crée des accords suspendus qui semblent presque électroniques aux oreilles contemporaines. Longtemps moins visible que le gayageum ou le daegeum, il connaît un nouvel intérêt auprès des compositeurs qui explorent les textures, l’harmonie et le dialogue avec les instruments occidentaux.
Les percussions et l’art du rythme
Dans le gugak, le rythme ne se limite pas à une pulsation régulière. Il s’organise en cycles appelés jangdan (장단), chacun possédant sa structure, ses accents et son mouvement intérieur. Un cycle peut se contracter, gagner en intensité ou laisser volontairement de l’espace au soliste. Le percussionniste ne se contente donc pas de maintenir le tempo : il guide la respiration de la musique.
Le janggu (장구), le tambour aux deux visages
Reconnaissable à sa forme en sablier, le janggu possède deux peaux reliées par un système de cordes qui permet d’en régler la tension. Les deux côtés produisent des hauteurs et des timbres distincts. Selon le répertoire, l’un peut être frappé à la main ou avec un maillet arrondi, tandis que l’autre est joué avec une fine baguette de bambou.
Cette dualité permet au janggu d’alterner sons graves, claquements secs, frappes ouvertes et silences. On le rencontre dans la musique de cour, le sanjo, les chants populaires, les danses et les ensembles de percussion. Peu d’instruments traversent autant de répertoires.
🎧 Écouter le janggu du samulnori — Ilchae
Le buk (북), du pansori aux fêtes villageoises
Le mot buk désigne plusieurs tambours en forme de tonneau. Leur taille, leur position et leur technique varient selon les contextes. Dans le pansori, le soribuk accompagne un chanteur unique. Le percussionniste, appelé gosu (고수), souligne la narration et encourage l’interprète par des exclamations, les chuimsae (추임새).
Dans le pungmul ou le samulnori, le buk fournit une pulsation franche et solide. D’autres grands tambours sont utilisés dans les processions, les danses, les cérémonies bouddhiques ou les ensembles de cour. Derrière un nom très simple se cache donc toute une famille instrumentale.
🎧 Écouter le buk — Ilchae
Le jing (징) et le kkwaenggwari (꽹과리), deux gongs complémentaires
Le jing est un grand gong dont le son profond se déploie en longues vagues. Sa résonance enveloppe l’ensemble et marque les grandes articulations du cycle rythmique. Le kkwaenggwari, beaucoup plus petit, produit au contraire une sonorité aiguë, brillante et incisive.
Dans les ensembles de pungmul, le joueur de kkwaenggwari occupe souvent un rôle de direction. Ses signaux annoncent les changements de motif, les accélérations et les transitions. Le dialogue entre l’éclat du petit gong et la profondeur du grand crée une tension essentielle à l’énergie de la musique.
🎧 Comparer le kkwaenggwari et le jing
Kkwaenggwari — Ilchae
Jing — Ochaejilgut
Le pyeonjong (편종) et le pyeongyeong (편경), le métal et la pierre des rituels
Les musiques cérémonielles emploient aussi des instruments très différents de ceux des traditions populaires. Le pyeonjong est un ensemble de cloches de bronze suspendues dans un cadre, tandis que le pyeongyeong réunit des pierres sonores taillées en forme d’équerre. Les cloches et les pierres sont frappées avec un maillet pour produire des hauteurs déterminées.
Leur timbre solennel est étroitement lié aux rituels confucéens et à la représentation d’un ordre harmonieux. Ils rappellent que, dans la Corée de Joseon, la musique était aussi pensée comme un moyen d’organiser symboliquement la société et de relier les vivants à leurs ancêtres.
Des instruments inséparables de leurs répertoires
La musique de cour et le Jongmyo Jeryeak
Les anciennes catégories de cour distinguaient notamment l’aak, musique rituelle d’origine chinoise, le dangak, issu de répertoires introduits de Chine puis transformés en Corée, et le hyangak, littéralement la « musique du pays ». Dans ces ensembles, les instruments ne recherchent pas la virtuosité individuelle. Ils avancent selon une pulsation ample, partagent la mélodie et construisent une texture collective.
Le Jongmyo Jeryeak, musique du rituel ancestral royal célébré au sanctuaire de Jongmyo, associe chant, danse et orchestre. Cloches, pierres sonores, vents et percussions y participent à une cérémonie destinée à honorer les souverains et reines de Joseon. Le rituel royal ancestral et sa musique figurent depuis 2008 sur la Liste représentative du patrimoine culturel immatériel de l’humanité de l’UNESCO.
Le sanjo, du calme à la virtuosité
Apparu à la fin du XIXe siècle, le sanjo est une forme instrumentale destinée à un soliste accompagné au janggu. Gayageum, geomungo, daegeum, haegeum, ajaeng ou piri peuvent en devenir la voix principale. Le morceau commence généralement dans un tempo lent, qui laisse entendre les inflexions les plus fines, puis traverse des cycles de plus en plus rapides jusqu’à une conclusion virtuose.
Le sanjo ne se résume toutefois pas à une accélération. Chaque école transmet ses formules mélodiques, ses ornements et son équilibre entre cadre et liberté. Le percussionniste dialogue constamment avec le soliste et peut ponctuer le jeu de chuimsae. La performance se construit ainsi comme une conversation vivante.
Le pansori, une voix et un tambour
Le pansori repose sur un dispositif d’une remarquable sobriété : un chanteur ou une chanteuse raconte une longue histoire, accompagné uniquement par un joueur de buk. L’artiste passe du chant à la parole, incarne plusieurs personnages et utilise gestes, mimiques et éventail pour donner vie au récit.
Le tambour structure le temps, souligne les émotions et soutient la voix. Le gosu intervient aussi par ses exclamations, comme peut le faire le public. Cette participation rappelle qu’une musique traditionnelle coréenne n’est pas nécessairement conçue pour être écoutée dans le silence : l’échange avec les interprètes en fait partie. Le pansori a été inscrit en 2008 sur la Liste représentative du patrimoine culturel immatériel de l’humanité.
Le pungmul, le nongak et le samulnori
Le pungmul, également désigné dans de nombreux contextes par le terme nongak, associe percussions, danse, mouvements collectifs et parfois acrobaties. Il s’est développé dans les communautés rurales, à l’occasion du travail agricole, des fêtes et des rituels. Les musiciens jouent souvent en se déplaçant, avec le janggu, le buk, le jing et le kkwaenggwari attachés au corps, tandis que le taepyeongso peut porter la mélodie.
Le samulnori est une forme scénique moderne créée en 1978 à partir de ces traditions. Son nom signifie littéralement « jeu des quatre objets ». Quatre percussionnistes y font dialoguer le janggu, le buk, le jing et le kkwaenggwari dans une formation resserrée, souvent assise. Les motifs issus des musiques villageoises sont concentrés et organisés pour la scène, avec des contrastes et des accélérations spectaculaires.
Il ne faut donc pas confondre entièrement les deux. Le pungmul est une pratique collective qui mêle musique, déplacement, danse et vie communautaire ; le samulnori en propose une réinterprétation de concert centrée sur la virtuosité rythmique. Le nongak de la République de Corée est inscrit depuis 2014 sur la Liste représentative du patrimoine culturel immatériel de l’humanité.
Le sinawi, l’art de jouer ensemble sans effacer les différences
Issu de traditions chamaniques, le sinawi réunit généralement plusieurs instruments mélodiques autour d’un cadre rythmique partagé. Piri, daegeum, haegeum, ajaeng et janggu peuvent y entrecroiser leurs lignes. Chaque musicien conserve une relative liberté, mais tous suivent une progression commune.
Le résultat est une texture dite hétérophonique : les interprètes ne jouent ni exactement la même mélodie ni des parties totalement indépendantes. Ils proposent simultanément plusieurs versions ornées d’un même mouvement musical. Ce principe se retrouve, sous des formes différentes, dans de nombreux ensembles coréens.
Comment écouter la musique traditionnelle coréenne ?
Une oreille habituée à la musique occidentale cherche souvent une mélodie parfaitement stable, des accords ou une mesure régulière. Le gugak invite à déplacer cette attention.
Il faut d’abord écouter ce qui se passe à l’intérieur d’une note. Sur le gayageum, le geomungo ou le haegeum, la hauteur continue d’évoluer après l’attaque. Sur le daegeum, le souffle et la membrane colorent chaque son. Ces vibrations, glissements et aspérités ne sont pas des imperfections : ils constituent la matière expressive de la musique.
Il faut ensuite suivre le jangdan plutôt que chercher immédiatement un battement régulier. Le cycle rythmique possède des points d’appui, des espaces et une direction. Lorsqu’il accélère, l’intensité augmente sans que le lien avec le motif initial disparaisse.
Enfin, il est utile d’écouter les relations entre les musiciens. Dans un ensemble, plusieurs instruments peuvent orner une même ligne chacun à leur manière. Dans le sanjo ou le pansori, les interventions du percussionniste répondent au soliste. Le gugak est autant un art de l’interaction qu’un répertoire de mélodies.
Des traditions bien vivantes : fusion, rock et création contemporaine
Les instruments traditionnels coréens ne sont pas enfermés dans les musées. Ils continuent d’évoluer dans les conservatoires, les orchestres, les festivals et les scènes indépendantes. Les facteurs d’instruments conçoivent des gayageum à davantage de cordes, des geomungo amplifiés et des modèles adaptés aux grandes salles. Les compositeurs explorent de nouveaux modes de jeu et associent le gugak à l’électronique, au jazz, à la musique classique occidentale ou au rock.
Le groupe Jambinai est l’un des exemples les plus marquants de cette évolution. Le haegeum, le geomungo, le piri et le taepyeongso y rencontrent guitare électrique, basse et batterie. Les timbres traditionnels ne servent pas de simple décoration exotique : ils forment le cœur d’une musique qui peut passer d’un murmure à une déflagration post-rock.
Le groupe Black String place quant à lui le geomungo au centre d’un langage nourri de jazz et d’improvisation. D’autres formations réinventent les chants populaires, les rythmes chamaniques ou le pansori, tandis que les orchestres de gugak commandent des œuvres entièrement nouvelles.
Cette création contemporaine ne s’oppose pas nécessairement à la tradition. Elle prolonge une histoire faite d’adaptations, de circulations et de transformations. Un instrument reste vivant précisément parce que de nouvelles générations découvrent ce qu’elles peuvent encore lui faire raconter.
Où écouter ces instruments ?
Les lecteurs intégrés dans cet article permettent de comparer directement les timbres. Le daegeum et le piri interprètent notamment deux phrases issues du même répertoire, Yeombultaryeong : la différence entre le souffle voilé de la flûte et la puissance de l’anche double devient immédiatement perceptible. De même, les quatre extraits de percussion permettent de distinguer le rôle du janggu, du buk, du kkwaenggwari et du jing.
Pour aller plus loin et observer les gestes des interprètes, la série anglophone du Centre culturel coréen de Los Angeles présente notamment le gayageum et le haegeum. La playlist officielle Daily Gugak du National Gugak Center permet ensuite d’explorer des performances complètes, dont le gayageum sanjo, les musiques de cour et les ensembles de percussion.
Une bonne progression consiste à écouter d’abord un solo de gayageum, puis un haegeum ou un daegeum, avant de passer au sanjo, au pansori et au samulnori. On perçoit alors plus facilement la fonction de chaque instrument lorsqu’ils se retrouvent dans un ensemble.
Un patrimoine sonore à explorer
Du frémissement des cordes du gayageum à l’éclat du kkwaenggwari, les instruments traditionnels coréens racontent plusieurs visages de la péninsule. Certains sont liés à la cour et aux rites ancestraux ; d’autres sont nés dans les villages, le théâtre populaire ou l’improvisation. Tous témoignent d’une attention particulière portée au timbre, au geste et à la transformation du son.
Leur découverte change aussi l’image que l’on peut avoir de la musique coréenne. Derrière la visibilité mondiale de la K-pop existe un patrimoine immense, capable d’être solennel, intime, festif ou radicalement expérimental. Le gayageum, le haegeum, le daegeum et le janggu ne sont donc pas seulement les témoins d’un passé à conserver : ils sont les voix toujours actives d’une culture musicale en mouvement.
Sources et ressources pour aller plus loin
- National Gugak Center — Bibliothèque numérique des instruments traditionnels, extraits musicaux sous KOGL Type 1
- Korea Open Government License — conditions de la licence KOGL Type 1
- National Gugak Center — Korean-English Dictionary of Traditional Korean Music
- Korea Heritage Service — Gayageum Sanjo and Byeongchang
- UNESCO — Royal ancestral ritual in the Jongmyo shrine and its music
- UNESCO — Pansori epic chant
- UNESCO — Nongak, community band music, dance and rituals
- The Metropolitan Museum of Art — Haegeum
- The Metropolitan Museum of Art — Geomungo
- The Metropolitan Museum of Art — Janggo
- Korean Cultural Center New York — History and principles of Samulnori
- Korean Cultural Center New York — Jambinai